Editorial – New Fixers

Suelo Líquido

Ernesto Falcón — Fri, 25 Jul 2025 21:36:36 +0000

Texto Original:

La escena podría ser esta misma sala, en este mismo instante.

La pieza se llama «Cabeza». Es una secuencia de imágenes corriendo en un ipad y el artista la hizo con inteligencia artificial.

En el lugar, la gente la critica. Algunos dicen que no es digno de exponerse; otros lo defienden. También había quien decía que lo que importaba era el concepto, que eran otros tiempos y la idea cobraba más importancia.

Otros decían que lo que importaba era que estuviera interesante, agradable, que algunos incluso se sintieran a favor o en contra, ya sabes, que tomara una postura.

Pero alguien se reía de nuevo: «¿Cómo una postura, si es IA? La postura se tomó en el ‘prompt’, cuando se decidió qué escribirle ahí. De lo contrario, esto sería un accidente».

—Pero tiene un título y ahí dice «Cabeza». —¿Y cuándo un título ha definido algo? Si el humano puede hacer cualquier cosa y ponerle cualquier título, ¿por qué una IA no lo haría? —Volvemos al concepto, a lo que el artista estaba pensando, a su serie de vida, a lo que significa el arte para él…

Y así, las conversaciones convergen y realmente nadie tenía una teoría muy definida. Pero estaban desconcertados, y con un poco de miedo, porque en esta nueva era líquida, donde todo es fluido y cambiante, la pregunta resuena con más fuerza:

ahora:

¿para qué servía el humano?

¿importa como elemento creativo?

¿qué pasa cuando la máquina también crea?

Proceso

«Suelo Líquido» Es un experimento que explora la creatividad, la autoría y el rol del artista en la era de la inteligencia artificial. El punto de partida, una escena —real o imaginada— con diálogos, ansiedades y preguntas, es el corazón de este proceso.

El Diálogo

El texto original fue la entrada para un modelo de lenguaje avanzado (Gemini Pro). La IA fue desafiada a analizar la esencia de la conversación: la controversia, el miedo existencial y la defensa del concepto sobre la técnica. Su tarea era traducirlo en una instrucción: un prompt.

Actuando como un intérprete conceptual, debía diseñar las palabras para generar una imagen capaz de provocar el mismo debate que la conversación en el «Texto Original».

El resultado fueron estos tres prompts: (El idioma y la cantidad fue propuesto por Gemini)

Prompt 1: photorealistic classical bust of a human head, sculpted from cracked white marble, the cracks revealing not darkness but a swirling nebula of cosmic dust and faint, glowing lines of code, one eye is perfectly human and melancholic, the other is a hollow void looking inward, dramatic chiaroscuro lighting, 8k, hyper-detailed, existential dread, cinematic photography.
Prompt 2: anatomical head made entirely of floating, semi-transparent layers of text, the text consists of philosophical questions about consciousness and random lines of python code, the features of the face are barely legible, formed by the density of the words, glitch effects and digital artifacts corrupting parts of the image, set against a black void, datamosh, typography art.
Prompt 3: profile silhouette of a serene human face made of polished, reflective chrome, from the back of the head explodes a chaotic, beautiful splash of organic fractals, liquid iridescent paint, and complex geometric shapes, all frozen in time, suspended in a minimalist white space, high contrast, sharp focus, digital art, trending on Artstation.

Del Prompt a la Imagen

Estos prompts fueron introducidos en tres modelos de generación de imágenes distintos (Krea Básico, FireFly de Adobe y Meta). Las imágenes seleccionadas cobraron vida mediante la animación en el modelo de Adobe, se editaron en video y, finalmente, se optimizaron en Topaz Video AI para una mayor resolución.

En este recorrido, el prompt deja de ser solo una herramienta técnica para convertirse en una pieza arqueológica del proceso creativo. Es el centro de la intención, el puente entre la idea humana y la ejecución de una máquina; el punto donde, «la postura fue tomada».

La Pregunta Fundamental

Así, «Suelo Líquido» nos confronta con su génesis y nos obliga a reflexionar sobre la residencia del arte:

¿esta en la narrativa humana original? «Texto Original».
¿en la poesía del prompt?
¿en la fría o no tanto, interpretación de la IA? (Imágenes Fijas)
¿en la composición y edición?
¿en lo que sigue ocurriendo a su alrededor?

Arte Generado por IA: La Máquina en el Estudio y el Futuro de la Creación.

Ernesto Falcón — Sun, 04 May 2025 21:03:45 +0000

De repente, parece que las máquinas no solo calculan, sino que también «crean». El arte generado por Inteligencia Artificial ha llegado al panorama, mostrando resultados impresionantes y, de inmediato, planteando preguntas incómodas y fascinantes. ¿Estamos ante una nueva forma de arte? ¿O solo una nueva herramienta para realizarlo? ¿Cuál es el papel del artista cuando una IA genera la imagen? ¿Sigue existiendo un artista? Pareciera que, con su llegada, estamos obligados a redefinir o replantear conceptos que creíamos sólidos en el mundo de la creación.
Hoy en día, el acceso a la generación de imágenes generadas por modelos de lenguaje es más sencillo que nunca. Herramientas como Midjourney, DALL-E o Stable Diffusion permiten a cualquier persona con una idea y las palabras correctas obtener resultados visuales complejos en segundos. El proceso, simplificado, implica describir lo que quieres ver (el «prompt»), y el sistema, entrenado con grandes cantidades de imágenes y texto, genera una propuesta. Pero no es magia; detrás hay algoritmos complejos y modelos de aprendizaje profundo. Entender cómo funciona, aunque sea a un nivel básico, es clave para participar en este debate.
Y aquí es donde las cosas se ponen interesantes. Si una máquina genera una imagen, ¿podemos llamarlo arte en el mismo sentido que una pintura o escultura hecha por una mano humana? La pregunta nos lleva a reflexionar sobre la intencionalidad, la expresión humana, la emoción y el contexto cultural que tradicionalmente asociamos al arte. Y si es arte (o algo parecido), ¿quién es el artista? ¿Es la persona que escribió el «prompt» o la instrucción? ¿Es el equipo de ingenieros que programó y entrenó al modelo? ¿Es la propia inteligencia artificial? ¿O es la persona que selecciona, refina o presenta la imagen final? La noción tradicional de autoría se diluye, generando debates éticos y legales, especialmente en temas de derechos de autor y el uso de datos (a menudo arte existente) para entrenar a estas IAs.
En este contexto, cobra una relevancia especial la parte conceptual. Quizás lo que siempre fue lo más importante en el arte tiene que ver con el mundo de las ideas, con la visión y la intención detrás de la obra, más allá de la mera ejecución técnica. Después de todo, las técnicas de representación solo se han hecho más sencillas a lo largo de la historia. Podemos imaginar el impacto tremendo que tuvo la invención de una cámara fotográfica en la mente de un retratista al óleo; en ese momento, para algunos, aquello debió parecer obra del diablo, una automatización que «mataba» el arte. Sin embargo, la fotografía se convirtió en una forma de arte y una herramienta creativa en sí misma.
Más allá del debate sobre si la «maquina» por sí sola crea arte, lo innegable es que se ha convertido en una poderosa herramienta en el arsenal de muchos artistas. No como un sustituto, sino como un colaborador o un medio más, permitiendo que la idea, el concepto, encuentre nuevas y sorprendentes vías de materialización. Los artistas están utilizando la IA para explorar ideas rápidamente, generar texturas o elementos visuales que serían difíciles de crear manualmente, experimentar con nuevas estéticas, o incluso como punto de partida para obras que luego intervienen o desarrollan con técnicas tradicionales o digitales.
Puede ser una musa, un asistente incansable o un provocador que empuja los límites de lo que es posible y desafía al que crea a pensar de nuevas maneras sobre su propio proceso. Ahora, más que nunca, la idea, el concepto, parece ser el motor principal. Aunque, claro, a veces el concepto sea la forma por sí misma, como sucede al evocar estilos reconocibles como el Steampunk o el de Studio Ghibli. Pero esto no es nuevo; siempre sucede, es como el «cover» de una canción, o el «cover» de la forma que tiene una canción.
El arte generado por IA nos enfrenta a preguntas fundamentales sobre la creatividad, la autoría y el futuro de la expresión visual. Es una tecnología que evoluciona a pasos agigantados, y su integración en el mundo del arte apenas comienza. Lejos de ser una amenaza para la creatividad humana, creo que nos va a redefinir y valorar de una forma diferente lo que significa ser creador y comprador de arte en la era digital, poniendo en el centro lo que debería ser la fuerza inagotable de las ideas.
Observemos como todas estas tecnología cambiarán la forma en que creamos y experimentamos el arte en los próximos años.

NFTs Más Allá del Hype, Valor, Usos y Propiedad Intelectual

Ernesto Falcón — Sat, 03 May 2025 22:17:39 +0000

Para muchos, los NFTs siguen siendo un concepto abstracto, envuelto en especulación, a menudo asociado únicamente a lo digital. Es necesario ir más allá del «hype» para entender qué valor real tienen estas herramientas, para qué sirven verdaderamente y qué implica tener uno, considerando su potencial impacto en el arte en general.

El Valor Artístico Real del NFT

En esencia, un NFT (Token No Fungible) es un certificado digital único de autenticidad y propiedad, registrado en una cadena de bloques (blockchain). Si nos apegamos a la estructura de su origen, estrictamente no tendría nada que ver con el arte en sí mismo, sino con la certificación de un activo. Sin embargo, su gran aporte es que permite crear unicidad verificable para activos creativos en un entorno digital donde la copia es sencilla.

Pero, ¿dónde reside el valor artístico? No solo en el archivo asociado. Puede estar en el concepto detrás de la obra, en la trazabilidad que ofrece (quién lo creó, su historial de dueños) y en la conexión directa que genera entre el artista y el coleccionista. Además, el arte asociado a un NFT no se limita a imágenes estáticas; abarca video, música, arte interactivo y generativo, abriendo nuevas posibilidades creativas. Aquí, hablo principalmente dentro de los espacios digitales, aunque la búsqueda de generar valor hacia activos fuera de las pantallas ha sido y creo que seguirá siendo un objetivo común.

Casos de Uso Interesantes (Más Allá del Hype)

Dejando de lado la especulación inicial, los NFTs están demostrando tener aplicaciones interesantes para el mundo creativo, con potencial para interactuar con diferentes formas de arte:

Utilidad y Acceso: Pueden funcionar como coleccionables con función en plataformas, o como membresías a comunidades exclusivas o eventos (sean estos digitales o físicos).
Apoyo Directo: Permiten a los artistas vender directamente y recibir regalías por ventas futuras, sin importar el formato original de la obra.
Financiamiento: Se usan para financiar colectivamente nuevos proyectos artísticos.
Experiencias: Validan arte performance, efímero o interactivo, o experiencias ligadas a obras físicas.
Autenticidad: Sirven como certificados digitales de autenticidad y procedencia. Esto abre la conversación sobre cómo podrían complementar la certificación de obras físicas, aunque vincular de manera indiscutible un título digital con una obra física sigue siendo un desafío significativo, especialmente si la obra física no posee características únicas que lo hagan innegable.

Derechos de Autor y Propiedad Digital

Este es un punto crucial: comprar un NFT generalmente no te otorga los derechos de autor sobre la obra subyacente. Adquieres la propiedad del token único. Los derechos de uso de la obra dependen de la licencia específica asociada al NFT, un área aún en desarrollo legal. Esto cambia, claro, a menos que el arte en sí mismo esté completamente albergado en el token, lo cual podría en algunos casos ser técnicamente difícil para archivos grandes o complejos.

Aunque existen desafíos en cuanto a la protección de derechos en este espacio digital, la tecnología blockchain y los smart contracts también ofrecen nuevas herramientas para los artistas, como el rastreo de su obra y la posibilidad de recibir regalías automáticas por reventas, algo que, en teoría, podría aplicar tanto a obras digitales como a la certificación de obras físicas si se resuelve el vínculo irrefutable.

Los NFTs son una herramienta en evolución que va más allá de la especulación inicial. Ofrecen potencial para el valor artístico, abren nuevas vías de uso y comercialización (incluso con posibles conexiones al arte tradicional), pero también nos invitan a repensar conceptos de propiedad y los desafíos de la certificación en el entorno digital y físico.

Por lo tanto, seguimos explorando estas dinámicas, buscando entender cómo estas innovaciones pueden enriquecer el mundo del arte, la cultura y las formas en que colaboramos y creamos.

Reflexiones sobre el Acto de Coleccionar.

Ernesto Falcón — Tue, 04 Mar 2025 21:15:54 +0000

¿Una Inversión o una Pasión?
El mundo del arte a menudo se presenta en los titulares con cifras astronómicas, ventas de récord y la imagen de grandes coleccionistas moviendo piezas como activos financieros. Esto lleva a muchos a pensar en el arte principalmente como una inversión, un mercado frío donde el valor monetario es lo único que importa. Pero, ¿Qué hay de la conexión personal, de esa pieza que te «habla» y que simplemente quieres tener cerca? El acto de adquirir arte es, en realidad, una intersección compleja entre el cálculo financiero y una profunda resonancia personal.
Por un lado, no se puede negar que el arte puede ser una inversión. Hay un mercado, hay tendencias, hay artistas cuya obra se valoriza con el tiempo. Para algunos, coleccionar arte es parte de una estrategia financiera, buscando piezas que no solo aprecien su valor, sino que también diversifiquen un portafolio. Se informan sobre la trayectoria del artista, el historial de ventas, la demanda en el mercado. Es un enfoque metódico que requiere conocimiento y, a menudo, asesoramiento experto. Las grandes galerías y casas de subastas operan en gran medida bajo esta lógica, donde la procedencia y el potencial de reventa son factores clave.
Sin embargo, reducir la adquisición de arte a una simple transacción financiera ignora una parte fundamental de su esencia: la pasión. ¿Por qué alguien dedica una pared de su casa a una obra específica? Raramente es solo por su valor de mercado. Hay una conexión emocional, una respuesta estética, una historia que resuena. Comprar por pasión significa adquirir una pieza porque te conmueve, te inspira, te desafía o simplemente te hace feliz. Es el deseo de vivir con esa obra, de verla a diario, de que forme parte de tu entorno y de tu historia personal. Además, comprar directamente a un artista o a una iniciativa que lo apoya es un acto de mecenazgo, una forma de contribuir activamente al ecosistema creativo que admiras.
Entonces, ¿cómo encontrar el equilibrio? ¿Es posible comprar con el corazón sin ignorar completamente el cerebro? Quizás la clave está en no ver la inversión y la pasión como fuerzas opuestas, sino como aspectos que pueden coexistir. Un coleccionista informado puede priorizar la conexión personal con una obra, pero también ser consciente de la trayectoria del artista y la calidad de la pieza, factores que a menudo influyen tanto en el valor artístico como en el potencial de mercado. El valor de una obra no es solo el precio que alguien está dispuesto a pagar, sino también su valor intrínseco, su significado cultural y su capacidad de enriquecer la vida de quien la posee.
Encontrar ese punto donde tu pasión te guía hacia obras que genuinamente amas, mientras un ojo atento al contexto del mercado te da confianza en tu elección, puede ser el camino más gratificante. Al final, las colecciones más interesantes y significativas suelen ser aquellas construidas desde una genuina apreciación por el arte, donde cada pieza cuenta una historia personal, más allá de las cifras.
Para mi la principal motivación para comprar arte tiene que ver con el seguimiento del artista, con la empatía que logro tener con sus piezas, con imaginarme como podría verse, y evidentemente con una confianza en que su valor se tendría al menos que mantener.

¿Cuál es tu principal motivación al adquirir una obra de arte? ¿La pasión, la inversión, o las dos?